Regresa SESIÓN GOLFA!

Así es, para celebrar muchos cambios en la no-vida de este zombie, empezamos por resucitar la moribunda SESIÓN GOLFA, ese espacio donde van cayendo sin orden absurdas peroratas sobre cine y otras hierbas audiovisuales. Para abrir boca otra vez, lo nuevo de Gus Van Sant.



Mientras alabo y celebro su paciencia, amigo lector, recompongo un poco mi nueva situación en la cripta, ordeno huesos y vísceras y me hago la manicura, prometo más asiduidad, tanto en la GOLFA como en su blog madre, palabrita de zombie.

Dicho queda.

YOUTH WITHOUT YOUTH - Francis Ford Coppola

De piedra y feldespato me quedé anoche tras ver la última (e inédita en España) obra de Coppola. Aún tengo dudas si debo decir algo de ella o sólo recomendarla a los zombies más curiosos, porque es posible que ésta sea una de esas películas que deban disfrutarse (o no) sin saber nada de ella, sin información previa y sin juicios preconcebidos. Eso me ocurrió ayer: enchufé el dvd en mi reproductor sólo para comprobar su calidad de imagen y sonido y dos horas después me desplomé en el catre bastante patidifuso. Avisados quedan.



Diez años llevaba Francis Ford Coppola sin gritar acción, desde aquella adaptación de un best-seller de John Grisham, ese correcto drama judicial, o peli de abogados que quieren ser buenos, o "sigo con deudas, acepto encargos", titulado LEGÍTIMA DEFENSA. Diez años, que se dice pronto. Una eternidad para un tipo que ya está en los libros de historia del cine por su saga EL PADRINO, pero que yo le tengo en un altar por APOCALYPSE NOW, el 2001 de las pelis bélicas, uno de los films más grandes (en todos los sentidos) jamás rodados. Hartito ya de hipotecar su talento y sus fuerzas en aras de grandes productoras y estúpidos magnates de dólar, durante ese hiato creativo el orondo barbudo tomó una decisión que, probablemente, marcará el resto de su carrera: dejar de perder el tiempo buscando financiación externa, salir de los USA para desintoxicarse (y relajarse, supongo) y acometer él mismo la producción de sus films a través de la resucitada American Zoetrope trasladándose a Europa, buscando un film-tipo más intimista, personal y, sobre todo, barato. Esto, que puede parecer una simple maniobra económica, supone una especie de reinvención conceptual de su propia persona y de su propia visión de las historias a contar, de nuevo una reinvención de su libertad creativa minimizando las ataduras contractuales en aras de unas evidentes ansias de control total sobre su obra.



Puesto en contexto el bueno de Coppola, vamos con la peli. Agarra por las solapas una (desconocida por mí) novela del filósofo rumano Mircea Eliade, la adapta, reúne un pequeño equipo técnico mayormente europeo, se traslada a Rumanía para rodar y le regala el protagonismo absoluto a un sorprendente, contenido, exquisito Tim Roth. ¿Por dónde empezar? Por decir que es imposible determinar el género de lo que sobreviene en las dos horas de duración de YOUTH WITHOUT YOUTH: ¿melodrama de época? ¿thriller de espionaje con elementos fantásticos? ¿película de aventuras metafísicas? ¿drama pseudo-histórico? ¿historia de amor "más allá del tiempo"? Ni idea, y eso es lo más fascinante y a la vez chocante, desconcertante de la película.


- Spoiler (cuidado, quizás no quieras leer todo esto) -

La cosa arranca en 1938, con el extraño accidente que sufre el anciano profesor y lingüista Dominic Matei, un tipo que ha sacrificado toda su vida elaborando una obra monumental inacabada que pretende discernir la misma esencia del lenguaje, y por ende, de la conciencia humana, tratando de llegar objetivamente al mismo momento en el que el hombre articuló su primera palabra con significado. A sus más de 70 años, en un momento confuso y dramático de su existencia, sinténdose un fracasado y en la más absoluta soledad, le parte un rayo en plena calle (¡!) pero, en lugar de morir calcinado al instante, es ingresado en una clínica bajo la atenta y comprensiva mirada del doctor que interpreta con su habitual aplomo el alemán Bruno Ganz (el asombroso Adolf Hitler de EL HUNDIMIENTO). Allí el anciano profesor se recupera milagrosamente, con el misterioso agravante de que... ha rejuvenecido hasta aparentar unos 40 años (¡¡!!) y su capacidad intelectual está aumentando exponencialmente (¡¡¡!!!). Alucinando en colores, el doctor entabla una bella amistad con el apocado Dominic, basada más en la admiración que en el interés científico, y trata de protegerlo del monstruo que comienza a llamar a las puertas de Europa: el nazismo. Las SS descubren este extraño caso clínico y empiezan a hostigar al doctor, reclamando para sí "el especimen" por el que Hitler tiene tanto interés, y con el que los nazis ven extrañas conexiones con su teoría acerca de la supremacía de la "raza aria" y de un posible salto evolutivo de la raza humana. Cuando la guerra es inminente y la presencia nazi en Rumanía se hace cada vez más asfixiante, Dominic consigue huir del país y comienza su peregrinaje por toda Europa, de ciudad en ciudad, cambiando de identidad, ocultándose de la opinión pública... y sin envejecer, anclado en los 40 años y profundizando en los nuevos "poderes" con los que ha sido agraciado. Además, tiene que lidiar con un desdoble esquizofrénico de su personalidad, un "alter ego" que no deja de guiarle y centrarle en sus estudios y en su obra inacabada, una titánica tarea para la que Dominic sigue trabajando sin descanso, absorbiendo información (literalmente) mientras trata de sobrevivir en el confuso escenario de la Europa guerra fría, tentado por facciones de uno y otro lado del "telón de acero".



Hasta aquí más o menos la mitad del film, que da un giro de 180 grados en el momento en el que Dominic, ya en la década de los 50, cree reconocer en una turista inglesa a su gran amor perdido, Laura, una presencia/ausencia constante en su vida, causante de su dolor más profundo. Lamentablemente la chica sufre un "extraño accidente" (¡de nuevo un rayo!) y es localizada en el interior de una cueva, completamente confusa, hablando en sánscrito (¡!) y asumiendo la personalidad de Rupini, una mística indú muerta hace siglos... Junto a ella Dominic vivirá una alucinante experiencia mediante las regresiones súbitas de la chica, que viaja cada vez más y más atrás en el tiempo, verbalizando su horror personal en sánscrito, arameo, egipcio y otros idiomas aún más antiguos, hasta el mismo momento del nacimiento del proto-lenguaje, la meta que Dominic había perseguido toda su vida de forma teórica, ahora al alcance de su mano a través del alma de su amada, pero a cambio del brutal deterioro físico de su cuerpo y, quizás, de su inminente muerte... y aquí lo dejo.

- Fin del Spoiler -


Muy fuerte, ¿no? Muchas, muchas piezas se ponen a disposición del espectador en esta marcianada suprema que nos brinda Coppola, con la dificultad de que a veces su frenético ritmo haga que se superpongan, una sobredosis de estímulos mentales rubricados con una aplastante belleza formal que en más de una ocasión puedan sobrepasar la capacidad de asimilación inmediata del respetable. Compleja y arriesgada pero hipnótica, la sensación de incertidumbre por lo que puede ocurrir a continuación hace que sea imposible despegarse de la pantalla en esta historia de argumento enroscado y estructura espiral, el horror absoluto para todos aquellos que busquen linealidad expositiva, pero un placer sensorial y cerebral para aquel que quiera dejarse zarandear por los envites del italo-americano. Detalles de humor casi subterráneo (como esa esvástica zurzida en la liga de la agente nazi) y un curioso tratamiento de algunos recursos del cine de género (Dominic, en el fondo, es un maldito superhéroe/antihéroe, y los experimentos nazis con la electricidad parecen sacados de HELLBOY) hacen que la película gane en riqueza a la vez que en barroquismo. Hoy, por hablar de algún referente que pueda ayudar, pienso en una versión europea, adulta, dramática (e inteligente) de FORREST GUMP, pienso en el mejor cine de nuestro Julio Medem, pienso en el misterio de David Lynch y en la fuerza cinética y emocional de THE FOUNTAIN, del geniecillo Darren Aronofsky, una película con la que, por cierto, YOUTH WITHOUT YOUTH tiene más de un punto en común.



Lamentablemente es por esta ingente acumulación de estímulos y tramas (pasan demasiadas cosas, demasiadas) por lo que la película no acaba de cuajar del todo, y tras ese plano final, uno acaba quedándose algo frío, superado por los acontecimientos. Esa GRAN historia de amor no acaba de tener toda la intensidad emocional que debiera, y la marabunta de hechos e información con los que hay que lidiar restan solidez, concrección al conjunto. Quizás tratar de reflexionar en un mismo film sobre el sentido del amor, la esencia del lenguaje, el miedo a envejecer, los peligros de totalitarismo, la relatividad del tiempo o la transmigración del alma sea demasiado amigos. Personalmente, y aunque la peli dista mucho de ser redonda, me quito el sombrero y la tapa del cráneo ante el viejo zorro Coppola, que ha rodado lo que le ha dado la real gana, arriesgándose, a estas alturas de su carrera, a ser ninguneado o vilipendiado (o incluso ni siquiera estrenado, como está ocurriendo en todo el mundo). Ustedes, por arte de la magia global, ya la tienen disponible por ahí, y si no pueden bichear por aquí, ya que, por el momento, no hay fecha de estreno prevista en España (ni en medio mundo).

Aquí os dejo el trailer.

trailer REPO - THE GENETIC OPERA

Lo prometido es deuda: aquí lo teneis, el trailer de REPO - THE GENETIC OPERA, el musical gore del s. XXI.

¿El heredero directo de THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW?...

Sitges 2008

Ustedes ya lo saben, en Mondo Zombie somos bastante raritos y habitamos un palmo fuera de la realidad. Por eso, y porque es el festival favorito de este blog (con permiso de Donostia, de su festival y su semana gore), aquí va un comentario rápido (de oídas) del recién clausurado Festival Internacional de Cinema de Catalunya.

Antaño Festival de Cine Fantástico y Terror, ahora mucho más mainstream por obra y gracia de lo políticamente correcto (no se vayan a pensar los bienpensantes que la ciudad catalana se llena de freaks sedientos de higadillos), Sitges remonta el vuelo poco a poco y año tras año una vez superada la árida etapa de dispersión genérica (¿pretendían competir con Donostia?... ¡buah!) y de indiferencia general. La indiferencia general la siguen sosteniendo con orgullo, pero el contenido parece que felizmente va devolviendo al festival a sus orígenes, a sus mismas esencias. Para abrir boca, manifestación multitudinaria de zombies bajo el apelativo de Eastpack Zombie Walk, comandada en vivo (es un decir) y en directo por el Pope Zombie George A. Romero, el auténtico inventor del comecerebros tal y como lo conocemos desde 1968, aún hoy en activo y con las neuronas bien despiertas, como demuestra su recién estrenada DIARY OF THE DEAD. De aperitivo, si no ibas de etiqueta putrefacta, ellos te maquillaban (gratis) con las pústulas imprescindibles, y de postre megaconcierto con, entre otros, los surferos enmascarados Tiki Phantoms. A esto se le llama reivindicar la esencia de Sitges, bien hecho.

Zombie Walk: plato principal

Tiki Phantoms & Cia: postre

Cienes de secciones paralelas, no siempre de estricta actualidad pero siempre interesantes, como el mítico Orient Express, Anima´t, Midnight X-Treme o Mondo Macabro (se vieron cosas del golfo Takashi Miike, inéditas de Miyazaki o marcianadas serie-B de Turquía, Indonesia o Vietnam...) rubricaron una sección oficial (a concurso) que parece que ha dado que hablar. Vamos allá.

Se lo llevamos diciendo lustros desde este foro: ojo avizor con la nueva ola de bárbaros franceses, que están renovando a base de bien los raquíticos cimientos del cine de género no sólo galo, sino mundial. Mi querido Alexandre Aja dejó a más de uno estupefacto con esa obra maestra total de la presión mental y física llamada HAUTE TENSION (veánla, ahora). Después llegaron el dueto Alexander Bustillo & Julian Maury con otra joya brutal ya comentada por estos lares, L´INTERIEUR, un ejercicio de orfebrería fílmica minimalista (un chalet, dos mujeres, un feto, unas tijeras...) que el año pasado ya despachó alaridos de horror (placer) en el mismo Sitges. Un poco más tarde el animal de mirada super estilizada Xavier Gens con FRONTIERE(S), un bestial turmix entre neonazis dementes (perdón por la redundancia) y matarifes rurales, con una carga subversiva militante anti-xenófoba digna de mención. Todos, sin excepción, expertos y enfants terribles del género apenas rozando los 30 años, y todos, sin excepción, ya abducidos por la voraz maquinaria hollywoodiense. Pero la saga de nuevos bárbaros continúa...

La única película que ha trascendido fuera del circuito "habitual" y que ha sido carne (breve) incluso en telediarios, la última salvajada llegada de tierras galas: MARTYRS. Adornada con una agresiva campaña de marketing (o eso me parece a mí), se dice, se cuenta, se rumorea que decenas de personas abandonaron la sala en los momentos cruciales del evento, que hubo desmayos y que la distribuidora del film apalancó una ambulancia perpetua a la entrada de todas las proyecciones, por lo que pudiera pasar. Voces se han levantado en Francia que han gritado la maldita palabra "prohibición" mientras otras proponen "algo de censura" (¿mande?), el caso es que, por el momento, la (presunta) salvajada de Pascal Laugier tiene todos los visos de estrenarse íntegra en las Europas y, a poco que se deje el galo, también será lobotomizado por los USA. Se llevó a casa el Melies de Plata a la Mejor Película Europea. Aquí les dejo el soso cartel y el inquietante teaser de la peli en el que no se ve nada, pero que acojona lo suyo...

Destaco también la adaptación del brasileiro (CIUDAD DE DIOS) Fernando Meirelles de, nada más y nada menos, ENSAYO SOBRE LA CEGERA, del maestro luso José Saramago, aquí rebautizada como BLINDNESS, probablemente una de las novelas más absorbentes, intensas, desoladoras y, a su modo, terroríficas, que yo haya leído nunca. Capital yanqui, Julianne Moore (¡bien!) y tonos desaturados rozando la sobreexposición (el viraje al blanco de la cegera al que tanto alude Saramago) para una propuesta que ha dejado un tanto frío al personal, a pesar de lograr el Premio del Público. Cosas de la vida. Veremos (o no) en que queda el asunto...

Por último, la ganadora a la mejor película, SURVEILLANCE, de Jennifer Lynch. ¿Lynch? Efectivamente, esta mujer es la hija del visionario David Lynch, ese tipo del que sólo tengo que decir que hace dos años rodó (mejor dicho: grabó) la película más turbadora, bella, inquietante y magistral de los últimos tiempos: INLAND EMPIRE. Tipo que, por cierto, está en el panteón personal de Mondo Zombie, y del que alguna vez escribiré una merecida retrospectiva lisérgica. Pero a lo que vamos: Jennifer ya perpetró otra película hace unos cuantos años, BOXING HELENA, una (presuntamente) turbadora historia de relaciones sadomasoquistas y dominación mental y física que, a priori, pintaba muy bien. Kim Basinger huyó del proyecto para ser sustituida por la carnal y comestible Sherilynn Fenn (¿recuerdan a la Audrey de TWIN PEAKS?), y todo el proyecto se rodeó de polémica, con duras críticas del sector feminista incluído. Pregunto: ¿tienen las feministas hardcore sentido del humor?. Lamentablemente la cosa quedó en un bodrio aburrido de erotismo softcore y aura de anuncio de perfume para maduritos voyeurs. Vamos, un truño en toda regla.

Estrenada sólo en Alemania por el momento, con las estimulantes presencias de Bill Pullman (otro lynchiano, CARRETERA PERDIDA amigos) y Julia Ormond, la película parece que ha cautivado a crítica y público y presenta thriller raro y rocambolesco de asesino en serie, road movie, desierto, niños cabrones y policías hartos de todo. El trailer ha despertado mi curiosidad, a pesar (o a causa) de que la buena de Jennifer toma prestado de papá recursos, formas y texturas sin ningún rubor. Aquí teneis el avance. No pinta nada mal la cosa.

Hubo más actividades y películas, por supuesto: expo-homenaje a King Kong, presentación del minifestival Teaserland (festival de trailers falsos), del que ya podeis echar un vistazo a su web, dirigido por Jaume Balagueró. También curiosidades como ABSURDISTÁN (título molón donde los haya), TOKYO, dedicada a esa ciudad a través de tres historias independientes, una dirigida por el peculiar Michael Gondry o THE SKY CRAWLERS, dicen que la última maravilla de animación nipona. El pabellón patrio quedó representado por SEXYKILLERS (ahora en cartel) y la coproducción chileno-española SANTOS (también en sus pantallas), ambas delirios psicotrónicos muy comerciales, la primera a cuento de una asesina nata con ínfulas de modelo, la segunda destripando la iconografía de superheroes. También el estreno en Europa, en sección no competitiva, del musica gore (¡!) REPO - THE GENETIC OPERA, que algunos consideran ya como el ROCKY HORROR PICTURE SHOW del s. XXI. En cuento localice un buen trailer lo cuelgo por aquí, por supuesto. Además, grandioso homenaje a los 40 años del estreno de 2001, de Stanley Kubrick, esa película que sigue, aún hoy, adelantada a su época.

Y ya está que me ruge el estómago y encesito un poco de materia gris para cenar. Prometo aquí y ahora que la crónica del Sitges 2009 será in situ y con conocimiento de causa, siempre y cuando logré recuperar mi pleura de la casa de empeños. Hasta entonces, sigan tan fantásticos como siempre, amigos.

¿Dónde está WALL-E?

¿La humanidad es una característica exclusivamente humana? ¿Qué define la vida? ¿Es posible el desarrollo sostenible del planeta? ¿Hay un límite en el grado de imbecilidad del hombre? ¿Qué mola más, una reluciente i-Pod o un viejo casete?...

El casete y la i-Pod

Pues no, ni la segunda parte de BLADE RUNNER ni la nueva obra de divulgación científica de Stephen Hawking ni el más reciente ensayo de José Saramago ni una novela inédita de Phillip K. Dick ni un nuevo montón de obviedades listas para digerir cortesía de Al Gore... ni siquiera un viaje de ácido de Paris Hilton. Todas esas cuestiones se plantean en la (lo digo ya que si no reviento) última maravilla de los estudios Pixar, una joya del cine que, si hubiese justicia en el mundo, debería guardarse como un tesoro audiovisual en una cajita, siempre disponible para los pequeños y pequeñas de las generaciones venideras.

Pixar trasciende de una vez por todas las fronteras de eso que algunos consideran un género, la animación, pero que no es más que una técnica para contar historias y entra por la puerta grande, si no había entrado ya, de la historia del cine en su más amplia concepción. No hay otra manera de digerir esta pequeña maravilla, una absoluta obra maestra en sus primeros 45 minutos, aunque algo más convencional el la segunda parte, aquella que se transporta al enorme crucero espacial en el que los humanos sobreviven felices convertidos en masas de carne idiotizadas por pantallas y mensajes publicitarios. Radical la propuesta de presentar una primera parte completamente muda (!), con un sólo personaje (!!) y con alma de musical (!!!) interpretado por una caja de chatarra con ojos travestido en una especie de Buster Keaton robótico (!!!!). Increíble la expresividad conseguida para dos protagonistas... ¡¡¡sin cara!!!Arriesgada la segunda parte que, aunque se acerca más a los clichés del supuesto público al que se dirige (infantil), no deja de sorprender con varios detalles asombrosos (la bellísima danza espacial entre Wall-E y Eva, la caterva de robots defectuosos/oligofrénicos, tronchante) para colar, como quien no quiere la cosa, todo un alegato a favor de lo analógico, lo táctil, lo sensitivo y lo sensorial, lo humano, utilizando, paradójicamente, todas las tecnologías digitales habidas y por haber, un acto de rebeldía 3D resuelto con una sencillez, una ternura y un sentido del ritmo y de la comedia, sencillamente, soberbio.

En medio del asombro, explicar sin palabras una historia de amor tan pura como delirante (Wall-E sólo pronuncia una palabra en toda la película, el nombre de su amada, eso sí, cientos de veces), mostrar cómo cuida de su amada bajo la lluvia, hablar de cómo le enseña su hogar, de cómo le muestra el fuego, de lo que es la luz, de lo que es el cine, de lo que es una flor, de lo que es la soledad más espantosa... y de unos cuantos sketches dignos del mejor cine mudo clásico, todo ello trufado con unas cuantas referencias cinéfilas de lo más estimulantes (no es difícil identificar el ojo de HAL de 2001, y las famosas notas del Zarathustra). Demostrado queda pues que hoy por hoy Pixar es una de las fuerzas creativas más notables del cine mundial, todo un referente (por el momento inalcanzable) para todos los que queremos contar historias en ese curioso formato, que logra en Wall-E unas cotas de pura belleza y emoción que, por momentos, casi duele a la vista. Pura magia.

Ah, y ni se les ocurra llegar 5 minutos tarde a la proyección, porque se perderán PRESTO, el descojonante cortometraje que precede a la película, una odisea en 5 minutos sobre un conejo hambriento y un mago estirado, y las putadas a la velocidad de la luz que el primero hace al segundo en plena actuación para conseguir su ansiado bocado de zanahoria. Magistral.

PRESTO!


PD: próxima entrega, EL CABALLERO OSCURO.

Ale!

Sweeney Burton

Y finiquitamos la minisección Cinexpress! con lo último de Tim Burton, SWEENEY TODD. Tal vez su película más arisca y oscura, sin duda alguna la más violenta, otra vez el bueno de Burton sabe retorcer material ajeno y proyectar en celuloide sus fobias y filias, ya conocidas por todos, aunque esta vez en formato musical, con un 90% de la película cantada por sus intérpretes (atención al vozarrón de Alan Rickman). Junto con el bellísimo tratamiento estético del Londres decimonónico, las fastuosas interpretaciones de su pareja protagonista y un ritmo endiablado (y buenas canciones, claro), SWEENEY TODD se convierte en una especie de arrebatada opereta visual sobre la locura embutida en un grand guignol deslumbrante donde los apasionados personajes son arrastrados, como marionetas, a un funesto (y muy sangriento) destino. Hay que verla en pantalla grande. Ahora, si no te gusta el marcado estilo Burton y no soportas los musicales...

- Lo mejor: todo encaja en esta apasionante pieza de orfebrería visual

- Lo peor: su precipitado final

Cinexpress!

A machete: encerrado en la cripta con abundancia vegetal y audiovisual, esto es lo que Mondo Zombie ha visionado durante este (inexistente) puente, con la utópica tarea de ponerse al día de todas esas películas que uno va acumulando sin medida. En el recuento alguna sorpresa, alguna delicia, alguna arcada gozosa y una llorera súbita.

LA HABITACIÓN DE FERMAT, de Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña

Ópera prima del sr Luis Piedrahita y su compinche, una cosa que quiere ser un thriller matemático o algo así, con un montón de personajes encerrados en una habitación descifrando acertijos (de esos de los crucigramas) y otro tipo dando tumbos por ahí mientras los guionistas (los directores mismos) tratan de engañar vilmente al espectador con un guión al que, lamentablemente, se le ven las costuras en todo momento. Los jovencitos no cuelan como matemáticos ni por aproximación, Federico Luppi está bien, como siempre y Lluis Homar rezuma tablas, pero la sorpresa es Santi Millán, por una vez alejado de su estigma de graciosete. No obstante, curiosilla por su rareza y por un par de apuntes visuales bastante logrados (el mecanismo hidraúlico mola), se ve con cariño y entretiene.

- Lo mejor: la habitación en sí misma y un sorprendente Santi Millán

- Lo peor: el espectador siempre va por delante

SHOOT´EM UP, de Michael Davis

Clive Owen disfrazado de mendigo, con un bebé en brazos, salta, brinca, hace muecas, pone cara de capullo, suelta frases lapidarias y, sobre todo, dispara a todo lo que se mueve. Monica Belucci compite en macarrismo mientras demuestra poderío mamario. Paul Giamatti, completamente histriónico, les persigue sin tregua con los ojos desorbitados mientras salen sicarios sin parar de cualquier esquina. Revisión del John Woo más hiperbólico. Un tiroteo cinético de hora y media. Un capítulo del Coyote y el Correcaminos hecho carne. Pura adrenalina sin sentido. Frenética. Absurda. Divertida. Delirante. Descerebrada. Y todo a ritmo de heavy-rock, porque es el único sonido que relaja al bebé. Yeah!

- Lo mejor: mil detalles delirantes, el polvo en medio de un tiroteo entre Owen y la Belucci, el bebé con un chaleco antibalas, y cuando empieza a sonar el "Ace of Spades"... puro cine de evasión

- Lo peor: ¿es buena? ¿es mala? es lo que es, coño


THE MIST, de Frank Darabont

Enésima adaptación de un relato de Stephen King, con todas sus constantes y paranoias y el mismo título que la obra maestra de John Carpenter, aunque poco tienen que ver. El experto en esta materia Frank Darabont (estupenda CADENA PERPETUA) se enfrasca en esta historia apocalíptica y sobrenatural con renovados bríos tras el pestiño de THE MAJESTIC. Típica situación de encierro de muchos personajes variopintos, esta vez en un supermercado, sitiados por algo muy chungo. Buen arranque, tenso desarrollo y, sobre todo, un final patético y deprimente, en el buen sentido, inusualmente duro y realmente desolador, algo inaudito en un film de estas características. Por lo demás, una buena película de género con acertados guiños al universo lovecraftiano que tanto me gusta y cierto tratamiento documental en las escenas corales, algo de agradecer pero que es lastrado por los imprescindibles alardes efectistas y verbeneros para justificar presupuesto.

- Lo mejor: insisto, el final

- Lo peor: por momentos parece que alguien va a cojer un megáfono, subirse a una caja y decir: "Bienvenidos a Faunia. Disfruten de su visita al ecosistema alienígena. Por favor, no abandonen la jaula de cristal y sigan las instrucciones"

JUNO, de Jason reitman

La LITTLE MISS SUNSHINE del año. Imposible encontrar a alguien que no haya caído rendido con esta encantadora comedia repleta de diálogos y réplicas brillantes, interpretaciones prodigiosas (Ellen Paige, ya lo dijimos desde HARD CANDY amigos, una fuerza de la naturaleza) y un guión perfecto, asombroso de la debutante Diablo Cody. Aunque con ese nombre, ¿quién se puede resistir?

- Lo mejor: los punzantes y rapidísimos diálogos

- Lo peor: muy poca cosa

A L´INTERIEUR, de Julien Maury y Alexander Bustillo

Ya se pueden ir olvidando de los asiáticos en materia de horrores y extremismo. Desde hace pocos años nuestros vecinos han decidido epatar al respetable a base de brutalidad, renovando un género que estaba muerto en Francia desde hace... ¿décadas? A L´INTERIEUR es una bestialidad protagonizada por dos mujeres: una a punto de dar a luz su bebé, con una historia trágica tras de sí, la otra totalmente desequilibrada y dispuesta a todo con tal de arrebatarle la criatura... antes de nacer. Angustia, tensión en tiempo real, crueldad extrema y litros y litros de sangre en un juego del gato y el ratón en una casa, un ejercicio de estilo y planificación que deja sin aliento y con muchísimos puntos en común con esa otra maravilla francesa titulada ALTA TENSIÓN, del geniecillo Alexandre Ajá, pero con un marcado toque giallo super-estilizado que recuerda al maestro Darío Argento. A su brutal modo, cine puro.

- Lo mejor: por momentos está en el límite de lo soportable

- Lo peor: por momentos está en el límite de lo soportable

UN FUNERAL DE MUERTE, de Frank Oz

Deliciosa y tronchante comedia 100% inglesa que recupera y actualiza con éxito esas otras deliciosas comedias de los 50 y 60 de la factoría Ealing, esas por las que se paseaban elegantemente sir Alec Guiness o Peter Sellers. Enredos miles, juegos de puertas y carreras por los pasillos, diálogos brillantes, momentos muy surrealistas, familiares desquiciados, un enano, un secreto familiar, un ataud con un muerto y un frasco de LSD etiquetado como "Valium" en un velatorio... ¿hace falta seguir? Con aroma de clásico, amigos.

- Lo mejor: tiene secuencias de partirse el pecho, lo juro

- Lo peor: que no haya más películas así


MY BLUEBERRY NIGHTS, de Wong Kar-Wai

Sólo he visto la estupenda HAPPY TOGETHER del coreano, mis ojos están casi vírgenes con su cine. Esta, su última obra y primera experiencia norteamericana, es una pseudo road movie arrebatada y romántica, una de esas películas con muchas historias dentro, con una cadencia suave y susurrada como una balada soul a media luz, que me fascinó por su atención a los objetos, a los detalles y por ese final tan sencillo como efectivo. Norah Jones aprueba con nota su primera incursión en celuloide. Cat Power aparece tras unos ventanales, se toma un café y su voz resuena por los altavoces. Todo está impregnado de música en esta película pequeña e íntima con un misterio: a pesar de lo que se puede leer en el cartel oficial, no he visto ni a Ed Harris ni a Tim Roth por ningún sitio... ¿futuro director´s cut?

- Lo mejor: la suave sensación casi onírica que transmite, no sé bien por qué...

- Lo peor: el abuso del ralentí como figura de estilo



FAMILY GUY. BLUE HARVEST

Capítulo doble inédito en España, una parodia/homenaje de STAR WARS (la mítica) que entusiasmará tanto a los fans de la serie como a los de la peli, que es mi caso. Algo menos salvaje que cualquier capítulo pero lo suficientemente tronchante como para echarle un vistazo birra en mano. Además, cuenta con el beneplácito del todopoderoso Lucas, la banda sonora original de la película (atención al gag sobre John Williams y Danny Elfman) y secuencias enteras calcadas. Son solo 50 minutillos, merece la pena el desfase, amigos.


INTO THE WILD, de Sean Penn

Esta película me estremeció mucho más de lo que podía suponer pero aún no sé muy bien que conclusión sacar de ella, la reservo para una futura Sesión Golfa.

Continuará...

Michael Gondry rebobina...

Mientras estoy decidiendo si clausuro Sesión Golfa o dejo que muera de inanición, dejo caer que un día de estos estuve paladeando lo nuevo de Michael Gondry en pantalla grande, BE KIND REWIND (o REBOBINE POR FAVOR). Es muy posible que esta delicia se pierda entre las miasmas de comedietas yanquis en cartelera, entre las masas que acudían a morir de hipoglucemia con 27 VESTIDOS y las que huían de IRINA PALM, así que, camaradas zombies del mundo entero, no deben permitirlo.

Como todas las suyas, BE KIND REWIND es una película sumamente extraña, extravagante, y como todas, regada con una personal ternura y, si tengo el día tonto, como ayer, muy conmovedora. Por si ustedes no lo saben, la cosa va de comedia hilarante sobre un par de individuos que se ven forzados a remakear en plan casero TODOS los títulos de un cochambroso videoclub para sobrevivir a una gran tragedia: uno de ellos (Jack Black), en su intento por sabotear una central eléctrica, ha sido magnetizado, y accidentalmente ha borrado (sólo con su presencia) todas las cintas VHS del videoclub en el que trabaja su colega (Def Mos), un encantador negrata con pocas luces y gran corazón. Al principio contarán con la ayuda de un colega del barrio y la empleada de una tintorería, pero poco a poco la cosa ira creciendo hasta implicar a la manzana entera entera en una especie de frenética carrera por lograr que el videoclub no se venga abajo, porque amigos, resulta que al vecindario le gusta mucho más las versiones caseras de este par de cafres que las originales hollywoodienses.

Sweded... o ¿suecada?... quédense con el palabro. Así llaman a sus particulares versiones cochambrosas estos deliciosos mastuerzos: yo ya no podía retorcerme más en la butaca cuando se lanzan a por LOS CAZAFANTASMAS ("Yo hago de Bill Murray y tú de todos los demás" dice el negro), y la cosa va a más con su genial solución casera para poder filmar una "noche americana". HORA PUNTA 2, ROBOCOP, PASEANDO A MISS DAISY, 2001, KING KONG... todo eso pasa por la batidora analógica de Gondry en una película genial de concepto que progresivamente va decantándose por el melodrama, un grito de amor al cine (popular) y al cine entendido como creación colectiva que defiende con pasión la máxima "todos llevamos un cineasta dentro". Es posible que no sea una comedia que provoque la carcajada constante (ninguna de las suyas lo hace) y que es, como mínimo, irregular, pero es difícil no caer rendido al encanto demencial de ese final "made in Capra" repleto de buenos sentimientos. ¿Inocente? Es posible. ¿Ingenua? Quizás, pero también lo eran OLVÍDATE DE MÍ (la mejor comedia romántica que estos cansados ojos han visto), LA CIENCIA DEL SUEÑO o su semidesconocida ópera prima, HUMAN NATURE, cinta que ustedes deben recuperar ahora mismo.

A continuación el trailer oficial de la película, para que se haga una idea de qué va la vaina:

Y ahora el trailer "suecado" por el propio Michael Gondry, en el que interpreta todos los personajes de la película... genial es poco:

Gondry, en su mundo...

Hasta siempre, maestro Azcona

Rafael Azcona murió el domingo de un cáncer de pulmón, a los 81 años. Ya se ha dicho en todas partes, pero por esta vez es verdad: ha desaparecido uno de los mejores guionistas del cine español. Ahora todo el mundo se adueña y encumbra su deslumbrante inteligencia y mala leche, cuando lo más probable es que la mitad de esos que ahora le lanzan halagos sin fin se habrán atragantado más de una vez con su proverbial cinismo y su visión negra (pero muy vitalista) de la existencia. Obviamente la cultura no tiene signo ideológico per se, pero se repite ese raro efecto llamada que ya vimos cuando murió Fernando Fernán-Gómez, y que ahora viene a ser algo así como si Fraga dijese en público que LA ESCOPETA NACIONAL le parece una obra maestra. Ja! Allá ellos y su rastrillo de hipocresias. Azcona fue nuestro Billy Wilder particular, a la altura misma de ese otro genio de las palabras, y como los más grandes, nos dejó sin armar escándalo, mismamente un... Domingo de Resurrección!! Genio y figura hasta en el crematorio.

Sabio, ácrata, algo libertario y ligeramente ermitaño, sobra recomendar cualquier cosa de su filmografía y en especial su colaboración con Berlanga, pero Mondo Zombie se queda con esa maravilla que es PLÁCIDO (1961) una de las comedias negras más divertidas, tiernas, frenéticas, crueles y humanas de la historia del cine patrio y universal. Un prodigio parido en plena oscuridad franquista, el buque insignia de aquellos respondones que supieron torear a la censura y torpedear la dictadura desde dentro sin que los imbéciles censores atisbaran ni un poquito la tremenda carga de profundidad casi suicida que esta película (y otras cuantas del mismo equipo) dispara en todas direcciones.

Ale, a la espera de disfrutar de su último trabajo, la adaptación de la tremebunda, brutal, LOS GIRASOLES CIEGOS de Alberto Mendez dirigida por Jose Luis Cuerda, descanse en paz el maestro Azcona y... bienvenido a Mondo Zombie!

Guillermo Del Toro vs Lovecraft: EN LAS MONTAÑAS DE LA LOCURA

No sabía muy bien si colgar este post en Sesión Golfa, en Mondo Zombie o en el BOE. El caso es que mi grasoso cuerpo embalsamado se retuerce de alegría y baila al son de las convulsiones post-mortem propias mi condición cuando vuelvo a tener noticias del orondo cuate Guillermo del Toro y su largamente acariciado proyecto, qué digo, SU proyecto, el que lleva un lustro y medio tratando de sacar adelante: una adaptación en celuloide de EN LAS MONTAÑAS DE LA LOCURA, la obra magna del gran genio anoréxico, reprimido, misántropo y gatófilo H.P. Lovecraft.

El inadaptable por antonomasia de la literatura universal, quizás junto con Joyce y Burroughs, por fin será adaptado por todo lo alto con la intención de huir de las casposas (y entrañables) series B. Previamente John Carpenter (el puto amo) hizo una especie de versión sui-generis del asunto con su magistral LA COSA, plagadita de referencias lovecraftianas por todos los lados, pero fue una cuestión de ambientes y sensaciones más que nada. Quizás el genio de Providence sea demasiado descriptivo en algunos (muchos) pasajes, y su prosa no parezca precisamente fluida según los cánones modernetes, pero este jodido relato en primera persona de la funesta expedición geológica Miskatonic a la Antártida, y lo que allí encuentran y lo que allí acontece, es uno de los puntos álgidos del toda la mitología cthulhuidea (¡siempre quise escribir este palabro!), y por ende, de la literatura fantástica y de horror del siglo XX. El horror en un punto extremo, tangible, místico, ancestral, metafísico y reencontrado, más allá de todos los abismos.

La última frontera

El asunto es que Guillermo ya empezó a buscar localizaciones hace unos años, nada más terminar la brillante BLADE 2, y ya hay un completo trabajo de concepts y diseño bien avanzado. El problema surge cuando hay que materializar una barrera de agujas de 12 kilómetros de altura con formaciones cúbicas en sus laderas nevadas y cierto regusto de energía violeta en las nubes que las atraviesan en medio de un silbido ancestral, o cuando hay que visualizar toda una ciudad dantesca de proporciones imposibles, basada en una suerte de geometría no-euclidiana con figuras geométricas cambiantes de cuatro (o más) dimensiones que no se sustentan en nuestros principios físico-matemáticos, sino en otros, o la simple conceptualización de una entidad inteligente unicelular de dos metros de altura y edad imposible de cuantificar... para volverse loco, amigos.

Un par de posibilidades para la city

Para echar una mano en este asunto han buscado inspiración visual en el pintor de origen ruso Nicholas Roerich, contemporaneo de Lovecraft y ya por entonces muy interesado en su paisajística. Mientras, Guillermo se relame del gozo al supervisar las primeras construcciones y maquetas, que él mismo califica de "escalofriantes".

Un par de oleos de Roerich

Todo muy bonito pero ¿será esta la próxima película del mexicano? En estos momentos se encuentra ultimando la postproducción de HELLBOY 2: THE GOLDEN ARMY (¡bien!) con vistas a estrenar en verano, pero encima de su mesa, además de cantidades ingentes de chile con carne y burritos, espera la otra gran adaptación del momento, THE HOBBIT, producida por Peter Jackson (otro gordo), emperrado en que la dirija el cuate; una revisión de TARZÁN promovida por la Warner; el guión de 3993 escrito por el ex-crítico Sergi Sánchez (EL ORFANATO), que cerraría su Trilogía Española ambientada en la guerra civil española (tras EL ESPINAZO DEL DIABLO y EL LABERINTO DEL FAUNO) y finalmente otra adaptación, esta vez del cuento LAS BRUJAS de Roald Dahl. Buff... El caso es que el guión lovecraftiano ya está escrito y aprobado, que no es moco de pavo en un caso como este, y parece ser que, alomejorquizás, la Universal esté dispuesta a poner parte de la guita. Como vereis en el extracto de una interesante entrevista reciente, el principal problema, una vez superados los escollos artísticos, es el de siempre: el vil metal. Con ustedes, Del Toro:

"Siempre me preguntan por qué quiero llevarla al cine. Para mí, el texto de Lovecraft no tiene un contexto que parezca muy relevante hoy día, y es que él escribe sobre la exploración antártica, es un poco la mezcla de aventura a lo Shackleton y cuento de horror a lo Poe, con los elementos del horror cósmico de Lovecraft. Lo que intento mostrar en el guión, no es sólo la insignificancia de la escala del hombre en relación al cosmos, que es de lo que trataba la novela, sino mostrar la locura, no solo de la mística lovecraftiana, sino de la locura del hombre por el conocimiento. El como la fe es suplantada por el conocimiento. Un horror profundamente jesuita si quieres, en donde el hombre debería sostenerse por la fe y no por el rigor científico. Me interesa mucho, porque es un momento en el que yo creo que todo lo que es espiritual está siendo corroído por lo material, y la película tiende a hablar de eso"

"Es un guión -añade- en el que ya en dos o tres ocasiones he tenido a los estudios muy cercanos de darle la luz verde. Hemos viajado incluso a Rumania para ver los estudios, para ver si podríamos filmar allí lo que queremos. Pero algo sucede siempre, algo que evita que el proyecto se haga realidad. Incluso generé maquetas y dibujos financiados sin pedir nada al estudio, tenemos maquetas y diseños por todos bellísimos, pero la película cuesta alrededor de 80 millones de dólares y lamentablemente no los tengo".

Guillermo, como una regadera

Tres cosas: ¿quién le presta 80 millones de $ a este hombre? ¿por qué la mitad de mis directores favoritos son manifiestamente gordos? ¿a algún lector de Mondo Zombie le interesa un post sobre la infancia traumática de Lovecraft (aka: "mi madre me obligaba a ponerme vestiditos con enaguas y tirabuzones rubios")? ¿Ein?

THE FOUNTAIN, de Clint Mansell

Hoy Mondo Zombie comparte con el mundo su obsesión sonora de los últimos días, la extraordinaria banda sonora de la alucinante (literalmente: A-LU-CI-NAN-TE) última obra de Darren Aronofsky, THE FOUNTAIN. En cuanto termine de digerirla ya caerá algo de la pelicula en Sesión Golfa, pero por el momento dejadme que recoja la baba y me deshaga en elogios hacia su música, una pieza maestra de una intensidad, una belleza, una delicadeza y una emotividad que me sigue poniendo la carne de gallina tras muchas escuchas. Clint Mansell ha sido capaz de parir su obra maestra, mejorando esa maravilla que fue REQUIEM FOR A DREAM y creando, probablemente, los 46 minutos de pura música más emocionantes que he escuchado este año.

Y no solo eso, sino que su piano y su precisa electrónica se confabula con las dulces/frenéticas cuerdas de la Kronos Quartet una vez más, y atención, con el post-rock y la distorsión eléctrica de Mogwai. Diez temas que son uno solo, reflejo perfecto de tres historias que son una sola: una de las más bellas y arriesgadas fábulas de amor y muerte que puedo recordar. Es probable que durante el impresionante climax de "Death Is The Road To Awe" notes como que vas a explotar, pero unido a las imágenes, amigos míos, en ese preciso momento, sentirás que te estalla una supernova dentro del pecho. Indescriptible.

Los culpables: Clint, la Kronos y Mogwai

El tracklist:

* 1. The Last Man

* 2. Holy Dread!

* 3. Tree Of Life

* 4. Stay With Me

* 5. Death Is A Disease

* 6. Xibalba

* 7. First Snow

* 8. Finish It

* 9. Death Is The Road To Awe

* 10. Together We Will Live Forever

Aquí teneis el disco, enterito para vosotros:

THE FOUNTAIN

Comunicado!

¿Vas a los multicines y acabas borracho en la bolera? ¿Te han echado alguna vez de una peli turca por despertar con tus ronquidos al proyeccionista? ¿Cuando te plantas frente al emule bizqueas, regurgitas y después tu mente se queda en blanco?

No te preocupes, amigo/a, Mondo Zombie tiene la solución:

SESIÓN GOLFA (de Mondo Zombie)

Así es... La célebre sección de cine/audiovisuales de Mondo Zombie se emancipa de su madre patria con expertos colaboradores que están a punto de colaborar. Si tú también quieres rivalizar en polémica con la secta de Garci o quieres lograr la fama blogística destrozando con saña Moulin Rouge, no dudes en contactar con un servidor. 9 de cada 10 Terry Gilliams lo recomiendan...

Terry Gilliam, ayer por la tarde...

TROMA CASTAÑA FESTIVAL review

¡¿¿Comor??! ¿¿Que aún no hubo comentario en Mondo Zombie sobre el 1er TROMA CASTAÑA FESTIVAL??... Dicho y hecho. Apoyado epistemológicamente por Juan Vader, que tuvo la primigenia idea, y por Sarita, que nos dio cobijo, seguidos por una panda de acólitos irredentos con sed de emociones fuertes, con sed de risas grotescas, con sed de pernoctamientos toledanos... CON SED!, hacinados ante el televisor la mismísima Noche de Halloween (jarls!)...

DÍA 31

- SGT. KABUKIMAN (completa): la película familiar de la Troma es ya un clásico, con ese policía urbano busterkeatoniano (algunos dirán jimcarreyniano, pero no tienen ni idea) transformado en japonés. Secuencias que pasarán a la historia de los superhéroes (¡alpargatas voladoras!) y frases memorables relacionadas con Toyota que ahora mismo no recuerdo. Seguro que el GRAN Emil Stroggoff tiene a bien refrescarnos la memoria, y, como bien puntualizó Rubi-Ta, "esta peli es igual que Kill Bill", 10 años antes. Ahí queda eso.

- TROMA´S WAR (7 minutos): sólo con 7 minutos de metraje uno puede darse cuenta de que esta película de la Troma iba a competir con Rambo III, aunque en realidad es el origen de la archifamosaquetecagas serie Lost (Perdidos). Un cura con cara de panadero confiesa a una rubia oxigenada a través de la ventanilla de un avión estrellado en una isla. Suficiente. La Troma, siempre a la vanguardia. Fue descartada en favor de...

- KARATE A MUERTE EN TORREMOLINOS (completa): infumable bodrio cañí rodado en Torremolinos tratando de imitar a la Troma o algo (JA!). Sólo se salvan las apariciones de un senil Jess Franco haciendo de Gran Maestro Oriental con un plato sopero en la cabeza y un tipo con un pijama verde y un par de tentáculos de goma que corre por una playa provocando las carcajadas de los bañistas.

- LA CASA DE CERA (completa... creo): tampoco es de la Troma, porque a altas horas la audiencia quería algo de seriedad, y nos tropezamos con otro bodrio (ahora superyanqui), plasta como el sólo, en el que, entre ronquidos, hay que esperar casi 50 minutos (¡!) para que Paris Hilton enseña las bragas instantes antes de ser masacrada. Como la vida misma.

DÍA 01

- EL MONSTRUO DEL ARMARIO (completa): nada mejor que mojar magdalenas en el café mientras se degusta esta pieza de arte tromático, en la que un monstruo gay siembra el pánico entre la población mundial andando muy despacio por las calles, justo antes de comprobar que su intenso amor por el guaperas protagonista nunca se va a consumar. La vida es dura amigos. Eso sí, la Troma nos presenta la verdadera ARMA DEFINITIVA CONTRA EL MAL...

- EL VENGADOR TÓXICO (48 minutos): nada mejor que digerir una amplia hamburguesa toledana disfrutando de esta pieza clave de la filmografía Troma. Por desgracia, las neuronas agonizantes dejaron de hacer su cometido a mitad del metraje...

Bien compañeros/as, esto fue el 1er TROMA CASTAÑA FESTIVAL, fuente eterna de estupor, carcajadas y arcadas a partes iguales. Tal fue la simbiosis con la ideología tromática, que el mismísimo Emil Stroggoff se transmutó en QUASIMORO - EL LANZADOR, nuevo superhéroe mundial, primera estrella de la Federación Árabe de Rugbi y jorobado profesional.

Parafraseando a Juan Vader... ¡¿QUÉ?!... ¿VEMOS OTRA?...